L’image apparaît lentement, comme une naissance fragile, suspendue dans l’instant. Elle se forme, puis s’éteint, effacée par le temps. Ce va-et-vient entre présence et absence nous rappelle l’éphémère de la vie, la beauté de ce qui se manifeste avant de disparaître, un présent intangible. L’image qui surgit, bien que fugace, devient une mémoire, un souvenir, un instant qui nous échappe.

La disparition n’est pas une fin, mais une potentielle renaissance.

Ainsi, à travers cette œuvre, nous méditons sur l’impermanence, sur la manière dont chaque moment naît pour se dissiper.

0,0014% : Représentation graphique de la part occupée par Homo sapiens sapiens dans la chronologie de l’univers depuis le Big Bang

Réalisée au fusain sur neuf feuilles assemblées, cette œuvre met en tension l’immensité du temps cosmique et la brièveté de notre présence. La surface noire, dense et fragile du fusain, incarne l’étendue des 13,8 milliards d’années depuis l’origine de l’univers. En son centre, presque imperceptible à l’échelle de la composition, un point de 9 mm à la feuille d’or brille : il représente les 0,0014 % de cette chronologie correspondant à l’existence de Homo sapiens.

Le contraste entre l’or, matière précieuse et lumineuse, et le fusain, matière friable et éphémère, souligne la tension entre la vanité humaine et l’insignifiance de notre passage. L’œuvre invite à prendre conscience de l’infime place que nous occupons dans l’histoire de l’univers, tout en interrogeant la valeur symbolique et spirituelle que nous lui conférons.

En référence au cinéma ayant pour sujet un épisode de l’Antiquité ou des aventures se passant durant cette époque, mais aussi au mot qui se rapporte également au manteau porté par les femmes grecques, les empereurs et les grands personnages, l’œuvre vidéo PEPLUM est une métaphore de ce qui habille la vie de l’artiste. Répartie en différents chapitres, la vidéo comporte la poésie propre aux éléments du quotidien.

Les images sont synchronisées avec de célèbres compositions de musique classique signées Felix Mendelssohn, Antonio Vivaldi, Wolfgang Amadeus Mozart, Johann Sebastian Bach, Erik Satie.

L’artiste cherche à démontrer que l’art n’est pas séparé de la vie, que tout peut être considéré comme art. Laconique, Laurent Quillet résume sa création vidéo par ces mots :

Je montre le Monde au monde.

Pour ce travail, le plasticien démontre l’impossibilité de se rendre maître des grandeurs temporelles. Progressant de un à dix, il présente le temps qu’il met à inscrire sur une feuille de papier les secondes. Si le spectateur s’imagine qu’il est parvenu à écrire « 4 secondes » en quatre secondes tout comme il a écrit « 6 secondes » en six secondes, cela n’est qu’une impression...

Laurent Quillet utilise également le crayon pour figurer, non sans une pointe d’humour, le décalage qu’il existe entre l’impression de grandeur par l’homme et sa petitesse effective au sein du cosmos. Le sujet central de ce dessin représente la terre et la lune séparées par un centimètre de largeur.

La distance lunaire paraissant infime correspond en réalité à 384.402 kilomètres, mesure difficilement représentative, équivalente à 1,3 seconde-lumière de la terre.

Face à Face présente 25 vidéos de 50 secondes, où des individus fixent l’objectif en silence. Lors d’une exposition, ces vidéos sont projetées sur deux écrans placés face-à-face à hauteur d’homme, dans un couloir étroit. De cette manière les regards se croisent, créant une tension silencieuse, comme si les vidéos se regardaient réellement.

Cette mise en scène met le spectateur face à une relation intime et suspendue, où l’on ressent presque l’impression de déranger ces regards figés. L’œuvre interroge le non-dit et la puissance du regard, créant un échange invisible et introspectif.

Depuis la surface de la Lune, un vide remplit de matière domine l’espace, n’offrant qu’une vision lointaine de la Terre. Au milieu de cette immensité, une bulle, comme un constat, énonce : « Je suis né ici ». Ce titre éponyme, inscrit dans cette composition minimaliste, confronte l’observateur à l’écrasante disproportion : notre origine, un point infime, face à l’infini du cosmos. L’œuvre repose sur ce contraste : le vide omniprésent et l’affirmation de notre existence. C’est une invitation à mesurer la tension entre notre insignifiance cosmique et le fait, pourtant, de pouvoir y déclarer notre origine.

Se présentant comme un travail de décomposition mathématique, Composition se veut être le miroir de l’organisme vital de plusieurs ouvrages de référence du plasticien.

Ses sources d’inspiration deviennent dès lors un puzzle impossible à remonter. La connaissance scientifique concrète se transforme en contenu abstrait.

L’iconoclaste a néanmoins pris soin d’organiser, de classifier et de hiérarchiser l’intégralité de l’ossature des livres.

Présentés d’une manière chronologique, Henri Bergson, Albert Einstein, Daniel Tammet, Laurent Derobert ou encore Étienne Klein nous en apprennent davantage sur leur manière de manier l’art de l’écriture par ses lettres, ses symboles et sa ponctuation.

Avec Détachement, projet de vie débuté en 2015, l'artiste s'attarde sur le geste banal du baiser symbolisant la séparation, un moment fort, chargé d'émotion. Protagoniste de la vidéo, il donne à voir le moment où il quitte les membres de sa famille. La volonté de garder en mémoire l'acte de l'au-revoir à ses proches développe un nouveau regard à ces moments si semblables dans le quotidien mais pourtant uniques. L'aspect universel de cet acte tutoie son caractère singulier et personnel.

Dans l'espoir que l'« au revoir » ne soit pas un « à jamais », le détachement se transforme alors en rapprochement.

En mai 2020, pendant le confinement, je suis sorti quelques minutes à Tournai. En passant au-dessus de l’Escaut, j’ai vu un poisson mort, puis un deuxième, puis beaucoup d’autres.

Au même moment, des messages étaient diffusés dans les rues pour nous expliquer comment nous protéger les uns les autres.

J’ai filmé avec mon téléphone et publié la vidéo avec cette phrase :

« L’Humain transforme l’Escaut en cimetière, et nous explique comment sauver des vies. »

La vidéo a été vue, partagée, commentée. Elle a aussi inspiré une case de bande dessinée, liée à un article revenant sur la pollution de l’Escaut et la mort massive des poissons.

Une photographie puisée de la série intitulée Bouquet final donne à voir une composition de fleurs au fond d’un gouffre, celui d’un vide-ordures de cimetière. Ce “feu d’artifice” floral est déjà passé de la composition décorative et ornementale à celui de détritus. Le souvenir entre la mémoire et l’oubli.

Main d’œuvre met en scène des travailleurs municipaux, capturés dans leur quotidien : des scènes de chantier, de collecte des déchets, de manutention. Le montage, construit à partir d’une composition piano de Grégoire Gerstmans, cherche une synchronisation entre la musique et les images.

À partir de fragments de ‘cailloux’ de Léonard Grosfilley, l’artiste crée des mondes invisibles, suspendus dans l’immensité. Les sphères tournent sans fin dans un ciel étoilé, sans bruit, sans repères temporels. Ce mouvement infini interroge notre place dans l’univers, et l’absurdité même de notre existence. Planètes Mère nous plonge dans un silence cosmique où chaque fragment urbain se transforme en planète en rotation.

Sans son, l’œuvre nous invite à une contemplation muette de l’infini, à la fois proche et lointain. Chaque planète, née d’un fragment de mur, semble exister quelque part, ailleurs, dans un cosmos où tout est possible. Et dans cet espace sans fin, tout ce qui est, même l’invisible, a sa place.

Affichant au compte-gouttes les différents temps de l’expression ‘être présent’, l’auteur de cette vidéo « installe le spectateur dans le temps d’un présent qui toujours fuit ». Par un jeu de passages du noir au blanc, cette visualisation de l’effet de damier nous plonge dans le concept de vie et de mort.

La présence physique semble une nouvelle fois nous échapper. Placée au sein d’une salle à manger qui porte à la mémoire le souvenir de ses anciens occupants aujourd’hui disparus, Je suis présent évoque davantage l’absence que la présence.

Cette œuvre audio nous emmène au sein de l’intimité même du quotidien du plasticien. Tel un collectionneur, il conserve méticuleusement ses messages vocaux, servant dès lors de mémoire immuable de ses activités. Plus particulièrement, il a développé un projet dont la trame narrative porte sur ses activités artistiques.

Pourtant, la forme du passé étant omniprésente, un malaise se crée progressivement à l’écoute des invitations, injections et interrogations formulées par ses interlocuteurs auxquels le concerné ne paraît pas donner suite. Abonné absent nous place dès lors entre la certitude que le message sera entendu et l’attitude de la lettre morte.

Une ligne du temps symbolique présente l’artiste et les membres de sa famille selon un ordre de dates de naissance croissant. À peine le compte à rebours lancé disparaissent, aux âges correspondants, son neveu, bientôt ses sœurs et lui, puis ses parents, pour que ne subsistent que ses grands-parents. Cette quatrième et dernière génération finit pourtant elle aussi par s’effacer.

Basé sur un détournement du memento mori (« souviens toi que tu es mort »), la raison de cette vidéo est de présenter l’héritage générationnel et de rendre hommage aux anciens, source de transmission et de connaissance.

Avant le tournage, chaque participant a porté un poids de 1,5 kg pendant quelques instants, afin de prendre conscience de sa présence dans le corps. Par la suite, un objet de 0,5 kg leur a été confié avec une consigne : le porter jusqu’à ce qu’il semble atteindre le poids de 1,5 kg.

Cette performance explore la manière dont le temps et la perception transforment une charge légère en un fardeau plus lourd. Elle peut alors symboliser ces non-dits, ces petites choses laissées en silence, qui, accumulées, peuvent devenir des montagnes écrasantes.

Laurent Quillet se joue du caractère imaginatif de l’être humain. Avec cette vidéo, il se saisit de l’intimité des figures pour rendre compte de la fraction entre le savoir et l’illusion du savoir. Les acteurs, anonymes, ont reçu pour mission de compter jusqu’à dix, après quoi ils disparaissent du champ visuel. La dimension temporelle est indubitablement perçue de manière individuelle et aléatoire.

Paradoxalement, le temps, notion universelle, demeure indomptable par l’espèce qui l’a pourtant fondée.

Laurent Quillet se joue du caractère imaginatif de l’être humain. Avec cette vidéo, il se saisit de l’intimité des figurants pour rendre compte de la fraction entre le savoir et l’illusion du savoir. Les acteurs, anonymes, ont reçu pour mission de compter jusqu’à dix, après quoi ils disparaissent du champ visuel. La dimension temporelle est indubitablement perçue de manière individuelle et aléatoire.

Paradoxalement, le temps, notion universelle, demeure indomptable par l’espèce qui l’a pourtant fondée.

La photographie de sa série Faites comme si je n’étais pas là donne à voir l’expression d’un ressentiment, celui de l’absence, d’une impression d’inexistence par le biais visuel d’une transparence de soi.

Se dévoilant de manière presque épiphanique, son corps est immatériel, fantomatique. Il oscille entre présence et absence, apparition et disparition.

Une sélection de photographies issues de la série Faites comme si je n’étais pas là a été publiée dans La nostalgie de l’aile, récit autobiographique de Pascal Goffaux paru aux éditions Esperluète. Les images apparaissent en fin d’ouvrage et sont accompagnées de fragments de textes écrits par l’artiste.

Dans ce livre, Pascal Goffaux interroge sa présence au monde à travers une écriture marquée par l’absence, la mémoire et la difficulté d’habiter son propre corps. La série photographique vient prolonger ce récit par une présence discrète, presque effacée, en dialogue avec ces questions.

Pour les personnes souhaitant découvrir l’ouvrage dans son intégralité, La nostalgie de l’aile est disponible auprès des éditions Esperluète.

Avec Conversation d’une vie banale, Laurent Quillet enregistre et, grâce aux sous-titres respectant à l’apostrophe près le langage parlé, révèle les discussions dites ‘futiles’ pouvant se produire lors d’un rendez-vous familial, d’amis, de connaissances,...

Les titres secondaires de cette série sont représentatifs de l’attachement que l’artiste voue à ce qui est de l’ordre du commun, de ce qui serait considéré par d’autres comme étant insignifiant.

La vidéo révèle le temps et le trajet mis par la lumière solaire pour atteindre la terre. Avec une vitesse moyenne de 300.000 kilomètres par seconde, cette lumière nécessite 499 secondes pour réaliser ce trajet, distance que l’artiste a souhaité parfaitement retracer par un écran de 499 centimètres.

En exposition, chacun suit donc un faisceau lumineux qui avance selon la formule : 1 seconde = 1 centimètre = 1 seconde-lumière. En donnant à voir l’imperceptible, Laurent Quillet conclut l’exposition par une recherche liée à l’intrusion ‘InTime’ de la lumière du soleil.

Avec Détachement, projet de vie débuté en 2015, l'artiste s'attarde sur le geste banal du baiser symbolisant la séparation, un moment fort, chargé d'émotion. Protagoniste de la vidéo, il donne à voir le moment où il quitte les membres de sa famille. La volonté de garder en mémoire l'acte de l'au-revoir à ses proches développe un nouveau regard à ces moments si semblables dans le quotidien mais pourtant uniques. L'aspect universel de cet acte tutoie son caractère singulier et personnel.

Dans l'espoir que l'« au revoir » ne soit pas un « à jamais », le détachement se transforme alors en rapprochement.